Canto contra desencanto

A Cia. Luna Lunera dispensa reticências no título da peça E ainda assim se levantar. No entanto, sua base textual, e mesmo a sintaxe do espetáculo, é permeada de três pontos. As pausas surgidas entre falas, pensamentos ou gestos não representam necessariamente silêncios, omissões, titubeios. Antes, são rumores gerados por exaustão existencial.

Também são três atuantes a emendar experiências pessoais às respectivas personagens que tratam de angústias de um presente rasurado, ávido por dias melhores. Nesse universo fragmentado, a rotação dramatúrgica de tentativas calha como um alento no panorama de desencantos em que o país e o mundo andam metidos – e a rigor não de agora.

Expressões como “A gente está tentando” e “Vamos começar de novo” indicam vestígios beckettiano na dramaturgia de Marcos Coletta concebida em parceria com a companhia. Falhas e desvios são reconhecidos mutuamente pelo trio, numa dinâmica de dentro e fora, de crítica e autocrítica, movimento que a direção de Isabela Paes delineia como efeito de circularidade refletido na própria ocupação espacial conformada em arena. Afinal, “Este espetáculo não começou agora”, mais uma frase lançada ao público na busca artística por estabelecer uma relação de jogo difícil de ser concretizada, em boa parte, devido ao vão que distancia o palco frontal do teatro no Sesc Santo Amaro.

No entanto, essa dificuldade é atenuada por meio de um recurso elementar e assertivo, quando bem aplicado, como no caso. O público descobrirá como o ato de fechar ou abrir os olhos em sintonia com determinadas passagens pode interferir sensível e decisivamente no modo de fruir a obra. Há um tensionamento propositivo diante das modulações de afetos ao longo da narrativa.

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O corpo negro como lugar de memória

No início, há apenas a voz ─ e essa voz é. Em seguida, a voz escolhe um corpo para habitar: o corpo de uma mulher negra. E esse corpo também é. Assim, em Vaga carne, tanto a peça (2018) de Grace Passô quanto o média-metragem (2019) codirigido por ela e por Ricardo Alves Jr., voz e corpo ora se fundem, ora se confundem, se conformam e se confrontam. Toda uma história se narra nas modulações, nos tons, nos ritmos da voz ─ e em seus silêncios. O íntimo e o coletivo permeiam cada gesto, cada movimento do corpo, cada pequena coreografia ─ e suas pausas. Em sua performance, Passô mobiliza também o invisível e o indizível. Assistimos ao encontro entre voz e corpo no agora da encenação, mas as experiências que ambos carregam não se limitam ao tempo linear ou cronológico. Por fim, o desconcerto: o que vai ser do corpo, daquele corpo, quando a voz se desgrudar dele?

Vaga carne é um dos espetáculos citados pela poeta, ensaísta, dramaturga e professora Leda Maria Martins em Performances do tempo espiralar, poéticas do corpo-tela (Cobogó, 2021), como exemplo das criações artísticas brasileiras que têm reconfigurado a representação do negro em cena. Trata-se de um repertório crescente de poéticas, que, por meio de ousados procedimentos e elaborações estéticas, afirmam as corporeidades negras como episteme, exercitando uma memória cultural que atualiza acervos cognitivos e performáticos de matrizes africanas e afro-brasileiras. Um aporte urgente e fundamental para a cena teatral (e política) brasileira, que em muitos momentos ainda se revela resignada diante de narrativas desgastadas, modos de produção excludentes ou exclusivistas, estruturas colonialistas e racistas etc.

Como bem diz o título, os eixos do livro são tanto as poéticas do corpo-tela – esse corpo que é, ao mesmo tempo, corpus de saberes situados e lócus de memória ─ quanto performances que funcionam como verdadeiras “reservas mnemônicas”, entrelaçando o vivido e o sagrado em temporalidades curvas. Às leitoras e aos leitores mais familiarizados com o pensamento ameríndio, as potentes reflexões de Martins talvez façam eco, já que as práticas rituais de muitos povos indígenas do continente também são meios de transmissão de saberes e conexão com o invisível. E, para os setores mais tradicionais dos estudos cênicos, as abordagens da autora certamente são estimulantes e desvelam horizontes bem mais amplos do que aqueles estipulados pelo pensamento ocidental.

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Corpos matriciais da narrativa

A justaposição de obras gestadas no curso da pandemia, exibidas em tempo real, e de gravações de performances anteriores à crise sanitária permitiram ao público do Festival Latino-Americano de Teatro da Bahia, o FILTE, atravessar coordenadas espaço-temporais produtivas em suas singularidades. No caso dos trabalhos internacionais da programação, que aconteceu de 22 a 28 de novembro, houve equilíbrio entre duas criações ao vivo e duas derivadas de arquivo e registradas, intuímos, sem supor que um dia seriam difundidas integralmente na rede mundial de computadores. Pelo menos três delas têm o corpo matricial em narrativas redimensionadas por meio de outras fisicalidades próprias das mídias que coabitam. 

O presente texto caminha ao lado de Curadoria – Palestra-performance, da dramaturga, atriz e pesquisadora Any Luz Correa Orozco, da Colômbia, ela que desenvolveu estudos no Brasil; Expectantes, parceria do Núcleo 2 – Coletivo de Teatro, de Uberlândia (MG), com o grupo Vendimia Teatro, da Colômbia; Noite, da CRL – Central Elétrica (Circolando), de Portugal; e Altíssimo, do núcleo TREMA!, surgido no Recife e atualmente radicado em Portugal.

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